写真考察

  写真に何かを写すことにより様々な境界が消失していくのではないだろうか。 3次元空間に存在する物体は、それぞれの物体の距離という境界により隔てられている。 しかし、それら異なった距離に存在し、距離によって隔てられた物体たちが写真という2次元世界に転写される時、距離の境界は消失し、すべての物体が同じ平面に取り込まれる。 写真は同時に時間の境界も消失させてしまうのではないだろうか。過去と現在の間には境界があり、過去に起こった出来事は時間の経過とともに消え去り、現在それを見ることはできない。 しかし、過去のある出来事が写真に転写されることにより、時間の境界を超え、過去の出来事を現在も見ることができる。 あるものと別のものを異なった物としている、それぞれのものが持つアイデンティティの境界も写真に転写されることで消失していく可能性があるのではないだろうか。 空間に存在するものの一部だけを切り取ることで、それを特徴づけている要素が欠落して他のものとの区別の手がかりが消失し、どれも同じようなものに見えてしまう可能性もある。 例えば、海の写真でもただ水平線のみを撮影し、周りの景色の中にある植物などの自然物や建物、人、看板、車など、その場所を特定する手掛かりとなるものが画面に入らないように切り取られた場合、その海はアイデンティティを失い、他の海と区別がつかなくなる。 複数の写真が重ね合わされた時は、境界の消失がより多く起こる。写真の中には通常、被写体と背景の境界が存在するが、写真が重ね合わされるとその境界は曖昧になり被写体と背景が溶け合ってゆく。違う場所や時間に撮影された写真が重ね合わされると、場所や時間の境界が消失してゆく。また写真に写っているもの同士の輪郭の境界も曖昧になり、溶け合い、新たな形状が生まれてゆく。 消失による拡大 写真に撮影されたもののアイデンティティが消失することで、被写体に対する解釈の多くは鑑賞者に委ねられる。写真を見たときに鑑賞の脳内に誘起されるイメージの幅はアイデンティティが明確なものを見た時よりも広がっていくのではないだろうか。 写真の中でどのような境界を消失させ、何を新しく生み出してゆくか、というテーマは今後の自分の制作活動の一つの指針となっている。

  写真を見るとは 現代社会は写真に取り囲まれている。書籍やポスターなどの紙の媒体、ネット上の電子媒体などありとあらゆる場所に写真がある。写真を目にしない日はない。 しかし、私たちを取り囲んでいる無数の写真を目にするときに『写真を見ているという意識』は果たしてあるのだろうか。写真があまりにも数多く身の回りに存在するので、それを見るという行為は、言葉を発したり、文字を読むのと同じくらい普通のことで、特段意識はしないだろう。 写真を見ていると意識していない瞬間の例 →レストランのメニューに載っているハンバーグの写真を見ている時 →雑誌の写真を見ている時 →様々なポスターなどの広告写真を見ている時 こういったときには、写真集や写真展に行ったときのような『写真を見てる』という明確な意識はほぼないだろう。 これと同じように、文字を読むとき我々は『今、文字を読んでいるのだ』とわざわざ意識しない。写真は文字と同じように、意思伝達の媒体として生活に深く溶け込み、あえてそれを意識する必要がないほど普通のものになっている。 それでは、逆に『写真であること』を明確に鑑賞者に意識させるにはどうすればいいのだろうか。 目の前にあるものは純然たる『写真』である、自分は『写真を見ている』という感覚を引き出すものとは一体なんだろうか。 スティーグリッツのイクイバレントは、場所も時間も特定できないような形がおぼろげな雲の写真を撮影したシリーズである。 写真の中に特定のアイデンティティを持つ被写体が存在しないこと、何かの劇的な一瞬を捉えた写真的クライマックスが存在しないこと、被写体の形が定かではなくそれ以外のどんなものにも見えること、これらの被写体の不確実さにより鑑賞者は写真の中に見るべきものを発見できない。明確な被写体を見ることによる感情の動きはほぼ発生しないだろう。自分が今行っている行為を描写するにあたり『写真の中の特定の被写体を見ている』というわけでもないゆえに、『自分は写真を見ている』以外に適当な言葉が見つからなくなるのではないだろうか。 無数の写真が絶え間なく無意識に目に入ってくるこの時代に生きている私たちは写真を見るという行為に対して特別な意識を持たなくなっている。このような時代に芸術写真を考える時、あえて鑑賞者に『今自分は写真を見ているのだ』と意識させるような作品を考えていくこと...

  ■痕跡 シンディーシャーマンの写真の解説をアート写真の本で読んだ。 彼女の写真は『 今そこに存在しないものの痕跡を描く 』と書いてあった。 ある行為の結果が痕跡を残し、それが映像として静止したまま存在する。 行為そのものよりも、その痕跡のほうが『行為自体』に対してだけではなく『その行為の意味』、『その行為の重要性』まで思考を拡張させることができる、という解説だった。 何かを引き起こす際に最も重要である『行為』にではなく、その結果である『痕跡』に焦点を当てることで鑑賞者のイマジネーションが広がっていくのか。 例えば『コップを割るという行為』が写った写真を見た鑑賞者は『何で割るんだ？』『何があったんだ？』くらいには思うかもしれないが、関心の中心は『行為自体』に偏ってしまうのではないだろうか。 一方、その行為の痕跡である『床の上に散らばったコップの破片』の写真を見た鑑賞者は、『何か事件が起こったのか？』『ガラスは脆いものだ』『何かに対する警告なのだろうか』と、『コップを割るという行為』を写真から取り去ることで、その行為自体に注目しなくてよい分、その写真を見たときのイメージの幅が広くなっていくのではないかと思う。 ■何かを取り去るによって誘発されるイメージの拡張 写真の中から『行為自体の映像』を取り去り、『その痕跡』だけを残すことで、思考の拡張が行われる、というように自分は理解した。 写真は対象物から『時間や場所を特定する要素』を取り除くことができる。 それにより、それを見た鑑賞者の脳内に誘起されるイメージの幅が広がるのではないかと思う。 例えば『海の写真』から『時間や場所を特定する要素』を取り去ることで、鑑賞者はそれを自分の記憶の中の『海』にリンクさせ、様々なイメージを脳内に浮かべることができるだろう。 時間と場所の特定の手掛かりになる要素を取り去るだけでなく、その対象物のアイデンティティーを取り去ることで、鑑賞者がその写真を見たときに誘起されるイメージはさらに広がっていく。 この記事の最初に載せている写真は『雪』の写真だが、鑑賞者によって別のものに見えてくるのではないかと思う。 画面いっぱいに雪を捉えることで、対象物である雪のアイデンティティーが消失し、鑑賞者のイメージの増幅につながるのではないだろうか。 写真から『行為』を取り去り、『痕跡』のみを映し出す。...

  消失と拡大 人は何かを見た時、何らかのイメージや記憶、感情が脳内に想起される。 犬を見たら『かわいい』という感情が生まれたり、昔飼っていた犬を思い出したり。小さいこと噛まれた経験を思い出したり、『忠誠心』という言葉を想起したり、犬とよく比較される猫について考えたりと、人それぞれ多様なイメージが心の中に生まれるだろう。 写真にも実際のものと同じく、鑑賞者の脳内に様々なイメージを想起させる機能があると思う。田舎の風景の写真を見た時、『夏休みの思い出』が想起される人もいれば、『田んぼに落ちて叱られた記憶』が蘇る人もいるかもしれない。過去の視覚的な記憶だけでなく『牧場の匂い』を想起したり、『夏の日差しの暑さ』など様々な感覚器官を通して感じたことも想起されることがあるかもしれない。 この『イメージの想起』という機能を考えた時、実態のあるモノよりも写真の方が、それが想起させるイメージの幅が広いのではないかと思う。 写真というものは、三次元の奥行きのある物体から『時間』と『奥行き』を取り去り、平面に押し込めてしまう。フレームに収められることで、上下左右の景色が切り取られる。また同時に、空間が持っていた『雰囲気』『温度』『空気の流れ』『匂い』なども取り去ってしまう。写真という平面に押し込まれる時、様々な要素が取り払われ、それぞれの場所や被写体が本来持っていたアイデンティティの一部が欠落していく。 それにより、例えば『海の写真』があった場合、ある時間、ある空間から切り離されたことにより、それは撮影者が撮影した、ある特定の時間の特定の場所の海ではなく、鑑賞者それぞれの『心の中の海』になり得るのではないだろうか。 写真は様々な要素が欠落していることにより、鑑賞者の没入感は現実の景色を見ている時よりも大きく、それ故に脳内に想起されるイメージも、過去の記憶から未来への希望、記憶から感情、何らかのイメージと多様になっていくのではないだろうか。 抽象絵画は、その対象から具体的な形を取り去ってしまうことで、鑑賞者が想起できるイメージの幅が拡大されていく。写真も様々なものを取り去ることで、これと同じことが可能になっているのではないかと思う。 『消失』により生まれる『拡大』 これも写真を考える上で重要な要素ではないかと思う。

  写真と時間 撮られた写真と撮られなかった写真 この世には無数の出来事が起こっている。自分が今日行動した範囲内だけでも、無数の人が行き交い、無数の車が目の前を通り過ぎ、街頭のスピーカーから音楽や宣伝が流れ、風が吹いたら桜が散り、路上には鳩が歩いている、等数えきれない穂と様々な出来事が絶え間なく起こり続けていた。 それを地球全範囲に広げて考えると、莫大な数の出来事が今日の24時間で起こっていた。 その無数の出来事の中で、『写真に撮られる出来事』と『写真に撮られない出来事』がある。『桜がきれいに咲いている』風景は写真に撮られる可能性が高い。しかし、『道に落ちている枯葉』というのは写真に撮られる可能性はかなり低いだろう。 その『撮られた出来事』の写真の中でも『誰にも公開されない』メモリーの肥やしになる、もしくはそのままごみ箱行きになる写真と『誰かに公開される』写真に分かれていく。 『撮られた』上に、さらに『人に公開された』写真の中にもそのまま『記憶に留まる』写真になるものもあれば『たど消費され忘れ去られていく』写真もある。 インスタで一年前にバズった写真とか、確かに見たことはあるんだけど、もう思い出せない。広告の写真とか雑誌に載った写真とか莫大な数の人の目に映った写真も、その役目を終えた後は忘れ去られていく。 しかし、時間の経過とともに『撮られたけど忘れられた写真』の価値が上がり、突然脚光を浴びる可能性もある。 メモリーの肥やしになっている今は誰も目にしない写真も将来その記録媒体であるハードディスクなどが廃棄され、たまたまそれを手に入れた人が偶然その写真を目にするということはあり得る。(データの消去をせずに廃棄した場合) 誰がいつ撮ったかわからない『ファウンドフォト』という形式で日の目を見る可能性もまだある。(フィルムと異なり、デジタルデータには日付の情報、場合によってはGPSのデータなどが付いている可能性があるのでフィルムのファウンドフォトよりは正体がわかりやすいが) それが『人に公開する必要がなかった』くらいどうってことない日常のありふれた光景でも、50年前の写真データであれば『歴史の証人』としての新たな役割が与えられ、私たちは興味深くその写真を見るだろう。 忘れ去られた広告写真やバズった写真も、記録として残っていたり、SNSの膨大の記録の中に消去されずに残...

  写真と圧縮 写真は本来まったく別の場所にあるものを同じ画面に捉える。 5 m先にある木、10m先にある家、20m先にあるビル、100m先にある丘、1000m上空の雲、等、存在する場所が異なる複数のものを一画面の中に平面的に捉える。 撮影者からそれぞれ別々の距離の場所に存在するものが、圧縮されて同じ平面内に押し込まれる。 これは写真に限ったことではなく、絵画も同じだと思う。写真に特有なことではなく、人間の視覚のしくみが立体物を網膜という平面に投影するというプロセスを持つので、写真にしろ絵画にしろ、同じことが起こるのだろう。 しかし、立体物をイメージセンサーや網膜という平面に投影して、それを『見ている』というしくみは同じでも、カメラと違って目は二つのレンズがあるので、私たちが実際にモノを見るときには左右のレンズで受け取る映像の差異によって距離感をつかむことができる。 だが、それを通常の(ステレオ眼鏡を使わない)写真なり絵画なりの平面に落とし込もうとするときには、もともと存在していた距離感を表現することは難しくなり、遠近法に基づいて、モノの実際の大きさと画面に写っているモノ大きさの差異によって距離を感じ取るしかない。 望遠レンズを使用したときにも『圧縮効果』というのがあって、それぞれ別距離にあるものの距離が圧縮され、近くにいる人とはるか遠くにある山の距離が近く見えるというもの。 わたしたちはモノの実際の大きさをイメージできるし、空間は3次元だということを知っているし、遠くのものは小さく見えるということも理解しているので、写真という平面に凝縮された様々な被写体を見ても、それらが異なった距離にあることを考慮に入れて見ることができる。 ある写真論の本で『写真とはコラージュなのだ』という記述があったが、初めどういう意味なのかわからなかった。しかし、全く別の場所(距離)にあるモノが一気に同じ画面に詰め込まれた状態を考えると、それはまさにコラージュなんだと思った。(この解釈が合っているかは不明) 本来同居することのない異なった距離に存在するものが同一の平面に押し込まれる。 例えばレンズを解放状態にして被写界深度を浅くした状態で写真を撮影するとピント面は薄く、ピントがあったものしかはっきりとは写らない。 しかし、絞って被写界深度を深くしてピント面を厚くしていくと、とたんに異...

  写真展とレビューにおける対話 作品作成のマテリアルとして写真を使っている以上は、常に『写真とは何か』という問いは自分の中に持ってなくてはならないと思う。 そこで『写真論』の本をいろいろ読んでみたりして『自分にとって写真というメディアはどういうものなのか』『そのメディアの特性のどの側面を使い何を表現するのか』という問いの答えを見つけようとする。 しかし、作家一人だけでできることには限界がある。自分の頭の中だけで今の自分を超えた思考を生み出すのはなかなか難しい。 そこで『レビューと写真展』を通じて他者と作品について会話をし、他者の目を通して自分の作品を再評価する』という作業が重要になって来るのだと思う。 実は作品を作っている本人が『わかってない』ことというのは多々ある。 その『わかってない部分』というのは先ほどのレビューにおけるレビュアーとのトークや写真展の会場の観覧者とのトークによって明らかになっていくこともある。 また、作品についての他者との会話の中で『作品を通じて自分が伝えたいこと』が鑑賞者に違った形で伝わっていることが明らかになることがある。 また写真展やレビューに向け、ステートメントを書き、『思考を文章化』していく過程で、今まで自分の中で明確ではなかった『作品の本質』に気づくこともある。 そう考えると、『作品』というのは『鑑賞者』と『対話』があって初めて成り立つものなのだと思う。レビューや写真展の場で他者との意見交換というのはもはや『作品の一部』なのかもしれない。そして、鑑賞者が『自分の作品を見て感じ取ったこと、脳内に想起されたこと』もまた『作品の一部』なのかもしれない。 『ある思考や仮説』が作家の中に存在し、それを『実験、実証』するための『作品』というマテリアルが作り出される。その作品を鑑賞者が見ることで、作品を介した『他者との対話』が生み出され、それが『作品の元となった思考、仮説の実証が作品により正しく行われたかの確認』の場となる。 次のグループ展ではこれを意識して、鑑賞者といかに対話するかを考えていこうと思う。